Au festival du théâtre palestinien de Ramallah (octobre 2019) : diversité des pratiques et concurrences

Dans le cadre de notre séjour de recherche en Territoires palestiniens occupés grâce à une bourse d’aide à la mobilité de l’Ifpo, nous avons eu l’opportunité d’assister à plusieurs pièces de théâtre en arabe sans surtitrage. Cette expérience a été l’opportunité d’une enquête ethnographique qui nous a permis de constater la diversité des productions théâtrales palestiniennes, et les tensions et concurrences qui traversent ce champ artistique. Ce billet a été écrit avant la crise sanitaire mondiale qui met en question la circulation à l’international des productions culturelles et le rayonnement du festival à l’avenir.

Les prémisses d’un festival de théâtre palestinien public

Au mois d’octobre 2019, à Ramallah, a eu lieu la deuxième édition du Festival de théâtre palestinien. L’événement est financé par le ministère de la Culture, qui dépend de l’Autorité palestinienne, et le Comité arabe pour le théâtre de Sharjah (Émirats arabes unis). D’après le directeur, Fathi Abdel Rahman, l’objectif du festival est de « porter l’histoire palestinienne à travers le monde » (programme du festival). Un deuxième objectif a émergé après cette édition : celui de fédérer des troupes palestiniennes au-delà des Territoires occupés. Cette volonté de décloisonnement s’incarne dans la présence du comédien Mohammad Bakri (né en 1953) en qualité de membre du jury. Cet acteur à la carrière internationale est en effet un Palestinien d’Israël. Jusqu’à l’édition 2019 à laquelle nous avons assisté, le festival se focalise en effet sur des troupes implantées en territoires occupés. Pour l’instant, le festival s’adresse principalement aux pays arabophones comme en témoigne le partenariat avec les Émirats arabes unis, le fait que les spectacles soient joués en arabe sans surtitrage et qu’aucune communication ne soit faite en anglais. Ramallah étant la capitale administrative de facto de l’Autorité palestinienne, la municipalité met à disposition deux salles : le théâtre municipal et le Centre culturel de Ramallah qui accueille tout au long de l’événement une exposition d’affiches et de photographies de théâtre, parmi lesquelles certaines sont tirées du fonds François Abou Salem (Nakhlé-Cerruti, 2020) au Théâtre National palestinien situé à Jérusalem.

 

 

Pendant une semaine, du 25 au 31 octobre 2019, deux spectacles par jour sont présentés par différentes compagnies implantées en Territoires occupés (11 spectacles au total). L’accès aux spectacles est entièrement gratuit. La première représentation a lieu à 17h au théâtre municipal, et la deuxième à 20h au Centre culturel de Ramallah. Le rythme des représentations ne permet pas nécessairement d’assister à l’ensemble du festival dont les productions hétéroclites attirent un public nombreux et varié. Cet événement profite surtout aux habitants et habitantes de Ramallah, étant donné les difficultés de circulation en Cisjordanie occupée. À titre d’exemple, il nous a fallu 1h30 pour nous rendre de Jérusalem à Ramallah (22 km) par la ligne de bus 218 qui passe par le checkpoint de Qalandiya.

Des productions théâtrales hétérogènes

Ce trajet laborieux a fait l’objet d’une pièce de théâtre jouée par le Théâtre Al Chaabi (littéralement : « théâtre populaire ») de Ramallah : Aller-retour à Qalandiya. Il s’agit d’une comédie grand public qui a attiré de nombreuses familles et leurs enfants et fait salle comble sur la grande scène du Centre culturel municipal. On y suit les mésaventures d’une famille palestinienne possédant une maison à Jérusalem, mais travaillant et vivant à Ramallah. Pour conserver leurs cartes de résidents à Jérusalem délivrées par les autorités israéliennes, les membres de la famille (les parents et leur fille) doivent répondre à des contrôles inopinés de l’administration et prouver que leur résidence principale est bien dans la vieille ville de Jérusalem. Ils déménagent leurs meubles et leur linge humide en catastrophe, traversent le checkpoint illégalement puisque le père n’a déjà plus sa carte de résident, dépoussièrent la maison et s’installent dans le canapé qui trône au centre de la scène. Le théâtre permet de (se) jouer (de) la traversée illégale du checkpoint en réalité impossible. Dans cette mise en scène, le trio familial déploie un jeu clownesque, et les situations comiques s’enchaînent : les inspecteurs et autres technocrates de l’administration sont satirisés. L’absurdité des barrages militaires et des obligations administratives est l’objet de cette comédie qui est l’un des succès publics de ce festival, bien qu’elle n’ait pas remporté de prix.

C’est une autre comédie, plus dramatique, qui a remporté le prix de la meilleure création théâtrale : Le sel vert produit par le Théâtre National Palestinien (TNP), adapté d’une œuvre d’Alaa Abd Al-Asis Sleiman et mis en scène par Kamel El Basha. L’histoire se passe dans les Balkans, à la fin d’une guerre qui a séparé le peuple du sud du peuple du nord. Un couple, connu dans un village pour élever des moutons, accueille et nourrit depuis plusieurs semaines des soldats de retour du front. Un par un, les soldats sont empoisonnés avec une épice (le sel vert) et tués. Pour faire disparaître toute trace des meurtres, le couple les dépèce et les grille au barbecue. Une voisine du village relève l’odeur délicieuse qui s’élève de la maison. Par flashbacks successifs, on apprend progressivement les raisons qui poussent le couple à vouloir se débarrasser de tous les soldats qui reviennent du front, et ce n’est qu’à l’issue de la pièce qu’est révélée la raison de la mort de leur fils. Il a été abattu par un officier allié qu’il tentait d’empêcher de commettre un viol. L’ensemble de la pièce tourne autour de la question du deuil et du bien-fondé de la guerre :

Le père : S’il était revenu vivant, tu aurais été fière de lui et de tout ce qu’il a fait, tu aurais parlé d’une guerre sacrée.

La mère : Nous avons toujours formé un peuple, comment peut-on considérer comme sacrée une guerre qui dépouille nos soldats de leur humanité ?

(Synopsis, traduction personnelle de l’anglais)

Ainsi, si le comique de situation semble l’emporter lorsqu’il s’agit de produire un spectacle qui traite directement du quotidien en territoires occupés, la dimension dramatique, voire tragique, s’applique davantage à des spectacles ancrés dans un ailleurs.

La proposition du Yes Theatre appuie cette observation. L’équipe a présenté une adaptation de la pièce Pedro y al Capitán du dramaturge uruguayen anti-impérialiste Mario Benedetti (1920-2009). Au cours d’un échange informel après le spectacle avec le metteur en scène, Ihab Zahdeh, celui-ci nous a d’abord présenté le dramaturge comme étant l’auteur d’un célèbre poème hommage à Che Guevara (Consternados rabiosos, 1967). Toutes les compagnies palestiniennes ne revendiquent pas un héritage révolutionnaire, mais parce que le théâtre palestinien se construit dans un contexte de lutte politique permanente, il réinvestit parfois un répertoire théâtral idéologiquement chargé. Dans Bedro and the captain, la version palestinienne de la pièce de Mario Benedetti, deux hommes dialoguent sur scène pendant un peu plus d’une heure : un policier est chargé d’interroger un prisonnier. Le représentant de l’ordre torture Bedro et menace de s’en prendre à sa famille. Le prisonnier résiste et retourne à son bourreau ses questions, interrogeant son humanité, jusqu’à le déstabiliser. La fin de la pièce permet d’inverser symboliquement les rôles : le policier qui a débuté la représentation derrière un bureau, à jardin, a pris la place du prisonnier menotté au sol, à cour, la tête dans une toile de jute. Le prisonnier le toise derrière le bureau. Une semaine en amont du festival, nous avons assisté à une représentation à destination de scolaires au Yes Theatre basé dans la ville d’Hébron. À l’issue de la représentation, les comédiens insistaient auprès des adolescents sur la dimension universelle de la pièce, dans l’objectif de les décentrer et de refuser la victimisation. La situation présentée pouvait avoir lieu dans d’autres pays du monde.

Divergences et concurrences

Si le festival de théâtre palestinien met en valeur la diversité et l’hétérogénéité des productions, cette initiative ne va pas sans difficulté. L’ensemble des spectacles a lieu dans deux salles dont le dispositif architectural ne correspond pas toujours aux propositions artistiques. Cela a été le cas pour le spectacle Sahmatah — du nom d’un village en Palestine mandataire dépeuplé en 1948 — joué par le Théâtre El Hanine (littéralement : « de la nostalgie »). Ce dialogue pour deux acteurs a été écrit en anglais en 1996 par Edward Mast et Hannah Eady. Ce dernier est un Américain et Palestinien d’Israël dont le grand-père était originaire du village (Mast, 1999). Sahmatah met en scène un grand-père qui dévoile à son petit-fils Habeeb l’histoire du village disparu. La première a eu lieu à Seattle en 1996, et la pièce a tourné dans des petits lieux (cafés, salles de classe) pendant plusieurs mois avant d’être mise en scène en 1998 en territoires occupés et en Israël, en plein air, par Fouad Awad. Cette version est parvenue en 2000 à Marseille, au Festival international de Théâtre-action et continue d’être jouée en Palestine. Elle repose intégralement sur le texte, puisqu’il s’agit de conter et transmettre une histoire de famille, et demeure peu accessible à un public non arabophone. En outre, les précédentes représentations ayant eu lieu dans de petits espaces clos ou au contraire à l’extérieur, l’architecture théâtrale et le dispositif scénographique frontal ont contribué à neutraliser la dramaturgie de cette pièce toujours d’actualité. Elle a été écrite à la mémoire du grand-père qui, à l’issue de la pièce, découvre une trace de la maison où il est né, a grandi et s’est marié, et revendique son droit au retour (Mast, 1999). Une autre pièce sur cette thématique a été jouée dans la grande salle du Centre Culturel : Abbas le boulanger du théâtre Al-Hayah d’El Ramleh. Cette forme contée pour quatre interprètes propose des décors et accessoires minimalistes et des changements de rôles à vue. L’équipe artistique était intégralement sonorisée, mais cette technique, et l’architecture théâtrale démesurée ont neutralisé la dramaturgie de la pièce nécessitant un espace plus intimiste. Pendant la représentation, plusieurs personnes se sont éclipsées et un comédien du Yes Theatre nous a pris à partie à l’issue de la représentation : « Comment peut-on encore jouer comme ça ? Comment peut-on encore faire du théâtre comme ça ? ». Ainsi, outre l’hétérogénéité des formes, le festival nous a permis de constater des divergences, des différences, des concurrences.

Bibliographie

Mast, Edward, 1999, « Sahmatah », The Link, volume 32/1, février-mars 1999. [En ligne] http://www.ameu.org/The-Link/Archives/Sahmatah.aspx

Nakhlé-Cerruti, Najla, 2020, « La part des archives dans About François (Ziemke, 2019) », Les Carnets de l’Ifpo (Hypotheses.org), le 1er juin 2020. [En ligne] http://ifpo.hypotheses.org/10379

Remerciements

Remerciements à Dima Arqan, Dima El Khoury et Najla Nakhlé-Cerruti pour leurs traductions de l’arabe au français pendant et après le festival.

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Emmanuelle Thiébot, docteure en études théâtrales, est ATER à l’Université de Caen Normandie, et bénéficiaire d’une bourse d’aide à la mobilité internationale de courte durée de l’Institut Français du Proche-Orient. Sa thèse intitulée Dramaturg(i)es du conflit israélo-palestinien en France. Entre assignations identitaires et résistances s’intéresse aux processus de (dé)légitimation des œuvres dramatiques à partir des circulations d’œuvres israéliennes et palestiniennes vers la France. Ce travail articule historiographie du théâtre, histoire des représentations théâtrales et étude du champ de production culturelle. La réversibilité de la dimension politique du théâtre et la notion d’hégémonie culturelle sont au cœur de ses recherches. Ces réflexions en mouvement ont été posées dans deux articles parus dans Théâtre/Public (n°230 et 233), ainsi que dans le premier numéro de La Récolte (Revue des Comités de Lecture de Théâtre). Au sein du laboratoire HisTeMé (Histoire, Territoires, Mémoires), elle a organisée une journée d’étude pluridisciplinaire sur les processus de (dé)légitimation de l’art intitulée « L’œuvre et les institutions ». Les actes de cette journée portant sur des études de cas internationales sont à paraître dans le numéro 17 de la revue Double Jeu.
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Contact : emmanuelle.thiebot@unicaen.fr / ethiebot@gmail.com

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